Ptit'ciné, le blog

Film dramatique américain réalisé par Clint Eastwood et sortit en 1995. 2h10.

Un pont d'Amérique qui semble départir deux mondes.
Celui de l'homme et celui de la femme.
Il y a d'abord celui de l'homme. Un monde d'aventure, d'ombres et de mystère. Où chaque jour la vie se redécouvre, où la beauté enveloppant les êtres se goûte une nouvelle fois. Un monde où l'on observe les gens anonymes, pour les rencontrer, les effleurer, sans doute les aimer, puis les quitter et en rencontrer d'autre. Un monde instable, qui bouge. Un monde d'Afrique, d'Europe et d'Asie.
Et puis, celui de la femme. Un monde figé. Un monde tranquille. Bercé par la douceur attrayante du paysage de campagne. Une monde "correct", où les potins du voisinage circulent, laborieusement, entre les foyers. Un monde hors du monde, hors des gens. Qui se regarde lui-même, ne se concentre sur rien.

Sur la route de Madison est l'histoire d'un passage. D'une route, d'un ligne, comme une flèche, où ce pont agit comme obstacle, que des êtres désespérés et amoureux rêvent de franchir.
Cette envie de départ, elle n'a jamais quitté Francesca. Lorsqu'elle marche sur ce pont, Eastwood vient fixer son regard. C'est un désir qu'il trouve dans ses yeux. Brûlant, dévastateur. Un désir plus fort que tout, mais volontairement bloqué, tenté d'être oublié : Francesca est mère, épouse, à des obligations. C'est cette contradiction absurde que le film déplore et met en scène, cette question fondamentale : dois-je partir avec lui ? Cette vie de mystères, est-elle faite pour moi ? Aurai-je la force ?

Cela, Eastwood le filme avec une pudeur infinie. Son mélo classique tente une émotion diffuse, continue, perchée dans les regards et les gestes. Manquer ce furtif plan où Meryl Streep redresse le col et s'attarde sur l'épaule de son amant, manquer cette image rapide et fuyante d'une jambe qui effleure l'autre, c'est ne pas pouvoir saisir l'une des nombreuses clés de l'œuvre.
D'abord, le film ne semble rien dire de spécial, l'impression que chacun de ses gestes et dialogues pourraient être dits par n'importe qui, n'importe où, de n'importe quelle façon. C'est un leurre.
Chaque contre-champs sur un des protagonistes est signe d'un avancement dans la progression de leur ressenti quant à la situation posée par le film. Des yeux qui se baissent et qui se mouillent. Un corps courbé sur une chaise, une femme qui par la fenêtre regarde d'un œil étrange son hôte : tout ce qui fonde l'amour, tout ce qui fonde la vie, est là. A voir là, a sentir là. A vivre là.
Il y a d'abord la curiosité, puis le désir qui monte, puis le doute, puis la décéption, et l'amour à nouveau, qui recommence et ne nous quitte plus. La grande idée du film est par ailleurs de délimiter l'histoire sur quatre jours. Un jour pour chaque stade cité, chaque émotion habitée. Quatre jours qui sont tout une vie, qui verront la fuite du temps et l'angoisse de la perte.

Sur la route de Madison est un film d'une douleur et d'une beauté absolue. Vide de tout cynisme, empli d'un respect et d'une tendresse infinie pour ses personnages : jamais Eastwood ne jugera le choix final frustrant, pour elle et pour nous, de Francesca. Jamais son mari ne sera présenté comme le bouc-émissaire, celui auquel il faudra en vouloir : dans une courte et bouleversante scène suivant un bond dans le temps après la fin de la partie initiale du film, son mari, vieux et malade, s'excusera pudiquement de ne pas avoir pu lui faire vivre tous ses rêves. C'est un plan en plongée simple, fixe, quelques seconde de tendresse et de rapprochement désespéré.
Eastwood ne nous dicte rein. Ne juge personne. Il filme, simplement. Pose une courte histoire qui ressemble à la vie.
Son film, l'un des plus beaux films du monde, est, en quelque sorte, une histoire de fantômes. Appartenant à une époque révolue, accordant aux gens d'aujourd'hui - les enfants de Francesca - ; que Eastwood respecte et ne singe jamais, un véritable regard. Interloqué puis compréhensif.
A la fin, les cendres de Francesca seront jeté par-dessus le pont qu'elle n'aura jamais franchit. La caméra, dans un sublime ralenti - le seul du film - suivra leur mouvement de spectre s'inscrivant dans l'éternité.
Il faut alors imaginer Robert et Francesca ensemble, fantômes errant entre deux mondes indécidables, corps invisibles confondus jusqu'à l'infini, sentir le bouleversement que procure cette scène inexistante de deux âmes déliées puis très vite rattachées, qui se seront ratées dans la vie pour mieux se retrouver dans la mort.

Western dramatique américain réalisé par Quentin Tarantino et sortit en 2013. 2h45

2012 aura été une bonne année ciné, qui aura notamment vu ce blog poursuivre une longue hibernation, interrompu ici, à l'heure de la proclamation des "tops" ciné de l'année - comme ils le sont appelés fort vulgairement.

Las, ce blog à longuement ronflé, serré très fort son coussin, salit les draps du lit, il faut maintenant qu'il se réveille et se bouge un peu le cul. Il est tard pour 2012, 2013 sera donc l'année de la reprise pour le génial rédacteur de ce blog - moi ! - qui n'en a, disons la vérité, pas branlé une.

Au programme, de la nouvelle vague, du cinéma asiatique, du cinéma expérimental, des cinéastes réputés, des films récents, des moins récents, des pas du tout récents, des vieilles bobines pleines de poussière, des daubes, des pépites, du cinéma, quoi !

Comptez ça comme mes bonnes résolutions de l'année 2013.

Le règne du vide à duré beaucoup trop longtemps ici, à tel point que la pub y a même construit un petit nid.

Alors, fort de ce message aussi bouleversant que le discours de Chaplin à la fin du Dictateur - ouh qu'il est intelligent Ptit ciné, il parle de Chaplin, oh là là, quel grand homme, quel culture ! - je proclame officiellement la renaissance de ce blog !

Que dieu vous bénisse, vous et les petits chatons de ma voisine. Amen.

Et bonnes fêtes !

1. Holy Motors, de Leos Carax

Carax revient donc, cette année, avec Holy Motors, son plus beau film, le plus beau film de l'année, l'un des plus beaux films du monde. Il y filme Paris. Il y filme la vie. Il y filme ses souvenirs, ses douleurs, le feu qui brûle en lui, sa colère, son désespoir, sa joie, sa folie, son ironie. Il y filme toutes les œuvres qu'il n'a pu faire, toutes ces œuvres rêvées, disparues au réveil. Il y filme Eva Mendes coiffée d'une burka. Il y filme un pénis en érection, un satyre sortant des égouts, des limousines qui conversent, une chanson d'amour à la Samaritaine, une contorsionniste qui baise, un vieillard mourant, une vieille dame qui mendie, des singes, un masque vert, des lueurs, des ombres, des silhouettes et le cinéma tout entier. On pourrait écrire de longues pages sur cet Holy Motors, qui hantera nos rêves et nos yeux pleins d'étoiles pour encore longtemps : il y a tant de choses à dire ! On pourrait en analyser les moindres recoins, en retrouver chaque référence... Et si on se contentait d'un silence ? Du souvenir de cette scène, la plus belle de l'année, où les amants se retrouvent, s'effleurent et se quittent dans une chanson éphémère ? De cette liberté que scande, crie, hurle le film ? De cette poésie qui effleure chaque plan, pour que le suivant soit encore plus beau ? De cette grâce qui l'habite à tout moment ? De ces pics de lyrisme qui lézardent son squelette ? Glissement étrange vers le monde du rêve et du cinéma, Holy Motors va, intemporel et solitaire, court, ralentit, accélère, nous tend constamment la main, incite au voyage à tout instant. Dedans, les hommes meurent et revivent, le cinéma s’éteint et renaît, laisse l'impression que tout s'y passe, que tout s'y dit : cela s'appelle un chef-d’œuvre.

2. Twixt, de Francis Ford Coppola

Il est définitivement très beau de voir Monsieur Francis Ford Coppola, 73 ans, derrière lui la trilogie sans doute la plus emblématique que le cinéma a fait et une pléiade d'autres monuments, faire ce si grand petit film ci, revenir à ses premiers amours perdus le temps d'un film drôle et étrange, qui ne se prend jamais au sérieux, sur ce qui s'est envolé à jamais. Coppola le peut, et le fait : sans soussous ou presque, il fait de son Twixt ce qui s'appelle une merveille, et s'autorise tout : grotesque, ridicule, premier, second, sixième degrés, décrochages, ruptures de style, de ton, couleurs vives qui explosent, changement d'univers en une dizaine de secondes, d'intrigues et de propos. Twixt ne pourrait être que le délire d'un vieux gâteux à qui le plaisir manque, si la plus belle des questions d'un artiste ne venait s'y poser la, tout près : cette question de la beauté tragique, de la tragédie de la beauté, de ces rêves inquiétants qui scrutent tapis dans l'ombre la silhouette des artistes que la réalité bloque, cette question si belle et si étrangement posée, cette question qui n'a pas finit et ne finira jamais de se poursuivre, de films en films, d'esprits en esprits, de poètes en poètes, de fantômes en fantômes. Twixt, œuvre imparfaite, celle d'un père en deuil doublé de l'artiste qui a peur, à tout d'un objet de cinéma qui ne plaira pas à tout le monde, c'est de là que sort tout sa beauté, son désespoir, son inquiétude polie.

3. Tabou, de Miguel Gomes

Perdu. Tout est perdu. Et pourtant : Aurora l'avait vu en rêve, cette fois ci. Un rêve étrange, qu'elle nous raconte, lunettes de soleil vissées sur les yeux, dans le casino où elle a laissé partir ses sous, face caméra. Perdu. Tout est perdu. Elle a joué. Elle a perdu. Son argent. Son amour venu d'Afrique. Son paradis. D'abord, on hésite. On ne sait pas. On se pose là, entre ces trois personnages, on ne sait rien. On ignore tout. Et pourtant, ces voix, on les entend encore. Et ces visages fermés ne disent, en revanche, rien. Et puis, soudain, tout démarre. Il suffit d'un changement de plan pour suggérer le changement de pays, d'atmosphère, de vie. Un vieil homme raconte, parmi les bruits du blé et des champs africains, ce qui est parti et ne reviendra jamais. Et les voix, soudain, se taisent. Et les visages, soudain, s'ouvrent. Rires. Pleurs. Corps qui se mouvent. Yeux regardant les nuages qui dessinent, dans le ciel, des animaux contournés au crayon.  Et l'on sait, à cet instant, en pleurant tranquillement, que tout cela ne durera pas. Que le présent qu'on a pu voir, au début, existe pour de vrai. Qu'Aurora y sera, bel et bien, perdue, sénile, fatiguée, bientôt morte, séparée de son amant, de son croco, de son pays. Et c'est insoutenable, car on voudrait qu'ils s'aiment, ces deux là, pour toujours, qu'ils s'embrassent, se touchent, se caressent, s'envolent, fuient, courent, loin, encore, ensemble... Tout dans ce film est une question de souvenir, de mémoire, d'oubli inconcevable. Car la vie et le cinéma ne sont qu'une suite de souvenirs. Des souvenirs qui fuient, doucement, sans bruit, à travers la savane d'un paradis perdu, d'un paradis rêvé, comme celui d'Aurora, il y a bien longtemps.

4. L'Odyssée de Pi, de Ang Lee

C'est parce qu'il se pose là, tout près, de nous, des autres, entre la vie et le rêve, le corps et l'esprit, pour nous redire ces choses si belles, ces choses si belles qui viennent de l'enfance, ces choses si belles que l'on sait déjà, et que l'on aime redécouvrir, avec Pi et ce tigre, seuls au bord de la mort, que L'Odyssé de Pi vient se placer curieusement parmi les chefs-d'oeuvre inattendu de l'année. Tout ici, de ces reflets magiques qui noient la mer de ciel à ces suricates nombreux errant dans la nature mortelle, ces baleines qui émergent d'un océan de lumière à ces silhouettes d'animaux qui hurlent au crépuscule, sont là pour ne clamer qu'une chose : Dieu existe, celui du cinéma. Naïf, on nous dira. Sans abandonner les soubassements complexes et torturés de son œuvre, de la naïveté, Ang Lee s'en réclame. Et s'en sert pour nous dire que oui, le cinéma, ça peut être ça, parfois. Ça vit, ça respire, ça file et ça se meure, dans un dernier plan sublime d'une jungle qui enfle. Il y a, dans ce tableau du monde tel que le rêve ceux qui croient, quelque chose d'imparfait. Et c'est sans doute ce que lui accorde, définitivement, sa saveur, sa beauté, sa douleur infinie.

5. Looper, de Rian Johnson

La gosse claque, le film que je n'ai absolument pas vu venir cette l'année : Looper, SF modeste, dépourvue d'esbroufe et d'effet grand-guignolesque, possède quelque chose qui n'appartient qu'à elle, quelque chose de triste, de poignant, qui touche au coeur. Sa froideur, son style soigné, sophistiqué ; son découpage précis, son montage tendu, le visage désillusionné de chacun des personnages qui, dans la quête d'un impossible bonheur ou d'une inaccessible satisfaction, effectueront leur ronde funèbre au mépris des catastrophes qu'ils sèmeront sur le route ; dessinent, ensemble, les rouages trop bien huilés d'une véritable tragédie humaine. Et de voir le temps faire des bonds, former des boucles, tisser des fils interminables qui feront forcément perdre des êtres et gagner d'autres, procure un bouleversement rare : Looper est un OVNI cinématographique brillant et d'une intense douleur, à reconsidérer d'urgence.

6. Amour , de Michael Haneke

"Amour". C'est sur un fond noir qu'apparait, soudainement, sobrement, en lettres blanches, le titre du film. "Amour", donc, "Amour" sans "A mort", sans second degrés, sans ironie. Car Haneke a rendu les armes. Lui, le brutal, le sadique, le professeur frustré tappant sur les doigts de ses élèves, faire un film d'amour ? Il le fait, oui. Et si quelques vieux vices subsistent (la vie se termine et le bonheur se perd), il pointe à la fin du film ce même sentiment qu'enfin, le cinéaste s'incline et reconnait que, malgré la mort qui fait face, il subsiste, quelque part, dans l'art ou le quotidien, une quelconque beauté, quelque chose de propice au bonheur. Et si tout a une fin, et si elle se passe dans la douleur la plus intense, et si la vie est parfois source de souffrance, l'amour est là, l'amour existe, l'amour existe et ne s'arrête jamais. Plus surprenant encore, c'est alors qu'Haneke, puisqu'il n'a plus rien a prouver, s'incline, comme jamais, devant le couple magnifique que forme ses deux acteurs : Trintignant et Riva sont, tout deux, dans cet adieu consenti à la vie, incomparables de retenue, d'intelligence, de sensibilité, de pudeur et d'amour, tout simplement.

7. Take Shelter, de Jeff Nichols  

Mais d'où sort ce film austère et brumeux, où file t-il ainsi ? Il semble pétri des plus intenses douleurs, des plus innommables névroses, sentiments qui se chuchotent ou se taisent, hurlant au plus profond de l'esprit. La douceur de ses protagonistes n'est pas un leurre, mais cache les errances de l'âme et le reflet de leur perte. L'esprit du film, son étrangeté, sa lenteur magnifique, me hante encore. J'aime ce que Nichols fait d'une Amérique en proie à ses névroses, ses peurs les plus profondes, ses démons infernaux. J'aime cette empathie que le cinéaste leur accorde, cette grandeur d'âme que possède chaque être, même le plus perdu des hommes. Le film commence dans un mystère et se finira dans un mystère. Il est long, lent, mais semble aller si vite, si vite qu'il nous échappe, constamment, pour mieux finir pas nous hanter. Il nous perd, nous retrouve, nous relâche, nous reprend, constamment, à chaque instant..  Cela constitue une expérience curieuse, imparfaite, parfois agaçante, mais qui prend aux tripes, remue, bouleverse. C'est un film insaisissable qui est avant tout le notre. Curieux paradoxe...

8. Moonrise Kingdom, de Wes Anderson  

Poétique et torturé, léger et ludique, coloré et sombre : Moonrise Kingdom est un film qui se situe entre deux mondes, deux réalités, toujours à hauteur d'enfant. Tout y semble charmant, joli comme une maison de poupée, et puis soudain, tout se révèle : la mélancolie s'affleure, la tristesse gagne, déborde de ces personnages trop seuls que personne ne comprend. Rien ne semble grave, mais tout se qui s'y joue est l'aventure d'une vie. Alors que les grands, ce flic bêta et solitaire, ce père malheureux, ce chef-scout étrange, ces parents un peu beauf , cherchent désespérément une brèche pouvant les reconduir jusqu'à l'enfance, les gosses fuient, nagent, volent, font des trucs avec leur langue, souhaitent devenir adultes. C'est un jeu du chat et de la souris inversé qu'Anderson filme, avec un plaisir total et un soin rare. Cette miniaturisation du monde et de ses aspirations est un vrai bol d'air frais, évidemment  empoisonné, mais aussi chatoyant qu'un paysage d'été.

9. Oslo, 31 Aout , de Joachim Trier

C'est un film vaporeux, mystérieux, beau et doux sur ce qui s'est envolé à jamais, ces femmes et ces amis disparus, ces erreurs par milliers, ces visages qui manquent, ce train de la vie que l'on a pas su prendre ; et ces regrets insurmontables que cela engrange et qui nous fissurent l'esprit. On aurait beaucoup de chose à dire sur le film, et pourtant il n'est fait que de courtes phrases, de silences, de douleurs qui se chuchotent ou se taisent, de silhouettes buttés qui se retiennent constamment. Ca m'a beaucoup touché. 

10. Killer Joe, de William Friedkin  

D'emblée, Friedkin nous l'annonce : il ne fera pas dans la dentelle. Et sa caméra, il la pose où il veut. Son film transpire le sang, le sexe, le sperme. Avec toujours, cet arrière-gout de crasse, de poussière, de poulet. Matthew McCounaughey y est monstrueux, Juno Temple splendide de névroses et d'innocence troublée. Ils se donnent, dans cette œuvre cynique et jubilatoire qui fait un mal monstre et un bien fou, véritablement corps et âmes. Et prouvent bel et bien que, ouais, Papi Friedkin, du haut de ses 77 piges, en a encore sous le pantalon. Mais aussi dans la tête : la fin imprévisible achève de transformer ce film en une farce absolument...Délicieuse !

Voilà, 2012 c'est finit sur Ptit'ciné le blog !

Et, pour arroser ça...

Film d'animation français réalisé par Patrice Leconte sortit en 2012.1h20

C'est sur la voix de Trenet chantonnant Y'a d'la joie que le film commence. Et c'est dès cet instant très drôle. Suit une plongée vertigineuse dans la ville glauque où se déroule l'action. On y voit les regards vides des passants et leur visage figé. On y sent la mauvaise odeur du désespoir traversant l'épais filé de pollution. Les voitures enfermées dans la prison des embouteillages, et les piétons qui attendent que  le feu  devienne rouge pour traverser...Et trépasser. Puis entre très vite le tout premier personnage : un petit pigeon grisouille et plein de cernes. Silencieux. Triste. Perturbé dans son vol par les cadavres qui tombent, les bruits incessants des voitures qui klaxonnent, et des revolvers qui tirent. Le film est à peine entamé que la question, déjà, se pose : si même les pigeons ne roucoulent plus la vie, se laissent mourir désespérément du haut des lampadaires éteints ; alors, que faire ?
La réponse ne tarde pas : tout ténèbres possèdent leur petite lueur, caché dans un coin sombre de notre champs de vision, et cette lueur, pour nos prochains regrettés, c'est le Magasin des Suicides, entreprise familiale, marchant du tonnerre, vendant tout les jours plus de milles produits, tous plus inventifs et innovants les uns les autres. Car  le but de la boutique est claire : chez le magasin des suicides, on est mort ou remboursé. Elle est tenue par Mishima, charismatique vendeur dont le produit préféré est le "Seppuku", vulgairement appelé par les contemporains "Hara-Kiri", une épée tranchante qui vous pénètre comme dans du beurre ; sa femme Lucrèce qui s'occupe de la caisse, et leurs gosses : Vincent et Marylin, comme Van Gogh et Monroe (Deux suicidés célèbres), chargés de suivre les clients jusqu'à la fin de leur chemin, pour voir si au cas où, un produit ne fonctionnerait pas. On a oublié personne ? Si. Alan. Le cadet et la honte de la famille : la joie de vivre incarnée. La voix douce, le teint éclairé par les rares lueurs de l'optimisme banni. Il n'a qu'un seul objectif : faire ressurgir la vie dans ce monde quasi-mort.
Le pitch est énorme. Il est signé Teulé, dont le génial livre du même nom avait le goût des plus beaux délices amers. Si la friandise passé sous pellicule conserve moins bien son éclat intensément noir, il émerge, de ce petit magasin devenu film, de savoureux gags visuels que seul l'animation permet. Tant pis si le cinéaste semble avoir oublié les plus beaux gags du bouquin d'origine (Où est l'hilarante et touchante séquence du Death Kiss ?! La pomme d'Alan Turing ?), de même que sa sombre poésie du désespoir, car les graphismes inspirés sont à tomber, et c'est bien là la définition de l'adaptation livre/film : passer le seuil de l'image tout en faisant travailler encore (et même plus ?) l'imagination du spectateur. De ce côté là, le pari est gagné : la pollution, les clairs obscurs au feutre noir,  les visages minés des clients du magasin, et en guise de point d'orgue soulignant le proverbe "Minuit, l'heure du suicide", qu'on ne vous racontera pas ; tout est esthétiquement magnifique.
Le reste est plaisant, mais plus discutable. Le roman, sous ses airs de farce impertinente, se révélait être une bien plus profonde réflexion sur le mal-être des gens, la solitude de l'adolescence, le désespoir. Le long-métrage, de son côté, ne garde que les deux trois lignes du postulat de départ, en transforme la fin, et rajoute de nombreuses  chansons plus ou moins réussies, mais  souvent répétitives. Le fond est donc quasiment absent, et certains regretteront sans doute l'apparente superficialité des personnages et le côté lisse de l'intrigue, mince, s'il en est. Mais si Leconte utilise ce principe d'épuration narrative et émotionnelle, ce n'est pas, comme on pourrait le croire, pour se rapprocher à tout prix d'un côté cartoon, axé sur les capacités physiques et uniquement cela des personnages, mais pour faciliter l'immersion dans ce qui se veut être ni plus ni moins, qu'un conte. Simple, mais pas facile : certains confondent. Et modeste. Ou la légèreté se noie dans le cynisme, à la finalité bien-pensante, mais savoureuse, car assumée. Voilà. Pas d'autres prétentions pour ce magasin là. Si ce n'est que célébrer la beauté de la vie entre les images magnifiques de cette constante fête des morts. C'est tout, rien de plus, et c'est déjà pas mal. 12/20.

Thriller américain réalisé par  Alfred Hitchcock et sortit en 1963. 2 heures.

D’abord, tout est calme. Le ciel est gris. Laiteux. Trouble. Baigné d’une lumière blanchâtre qui filtre les nuages. L’eau du lac est paisible, claire, bleue. Le vent souffle, doucement. Les girouettes tournent. Les volets se tapent contre les fenêtres des maisons. Les branches des  arbres s’agitent. Des enfants jouent dehors. Une silhouette, soudainement, déchire le ciel. Sombre et rapide. Brisant l’écran, attisant les regards, l’inquiétude. Le vent souffle, doucement. Le lac est paisible. Les girouettes tournent. Les volets se tapent contre les fenêtres des maisons. Le ciel est gris. Laiteux. Trouble, baigné de silhouettes noires et ailées. Deux s’en rajoutent. Tout est calme. Les girouettes tournent. Le vent souffle, doucement. Les volets se tapent contre les fenêtres des maisons. L’eau du lac est paisible. Le ciel est gris. Laiteux. D’autres surviennent, perturbant le paysage. Tout est calme. Des enfants jouent dehors. L’eau du lac est paisible. Les volets se tapent contre les fenêtres des  maisons. Les silhouettes noires et ailées surplombent les regards terrifiés des passants. Le ciel est gris. Le lac est bleu. Sombre. Clair. Puis, panique. Générale. Rien n’est calme. Angoisse. Laiteux. Le ciel. Le lac. Les maisons. Les girouettes. Les volets. Claire. Sombre. Oiseaux. Fenêtres. Rapide. Le vent souffle. Hurlements. Cris. Croassements. Rien n’est calme. Rien. Des milliers. Des millions. Perchés sur les poteaux. Coups de griffes. Becs pointés vers le ciel. Laiteux. Vers nos têtes. Frêles. Frêles et apeurées. Terrorisées. Nos visages perdus dans la mer d’ailes noires, de corbeaux agressifs découpés dans l’image paisible de la baie. La mer vaste de charognes immondes, à l’affût des corps qui dansent entre les cadavres noyés. Puis…Tout est calme. Le ciel est gris. Laiteux. Trouble. Mais les Oiseaux reviennent. Attaquent. Violemment, sans pitié : brisent les glaces et les crânes. Puis….Tout est calme. Les girouettes tournent. Les enfants jouent. Le ciel est gris. Une voiture démarre. Les volatiles  l’observent. Perché de partout : sur le sol, en l’air, sur les toits de maisons. La voiture roule, lentement. Son conducteur transpire, fixe les environs. Ils n’attaquent pas. Soudain, un croassement. Puis, deux. Puis, trois. Puis, noir. Puis, fin. Fin. Fin du  cauchemar ? Fin de tout ? Peut-être. Peut-être… Ou une autre rupture inattendue ? Le récit en est ponctué ; des moments de tensions et d’effrois contrebalancent les longueurs et les étirements de scènes qui ne disent rien. Parce qu’il  n’y a rien à dire. Parce que la peur domine, et qu’on ne sait quoi dire ; et que les questions fusent, que de toute manière, elles resteront, à jamais, sans réponse. Alors, au lieu de penser, on agit. On se barricade. On s’enferme dans les maisons. On s’assoit en sanglotant. On scrute les endroits ouverts sur le dehors. Et on attend. Hitchcock n’explique rien de tout cela. Hitchcock s’en fout un peu, d’ailleurs, de tout cela. Car Hitchcock est cruel, terriblement cruel, et que son film, c’est comme dans un échec : faut faire tomber les pions. Un par un. Et que, de la règle – le scénario, aussi ficelé soit-il – ; pour une fois, on s’en contre-fiche. Et que, pour gagner, faut choisir la bonne tactique, le bon angle, le bon plan. Les Oiseaux, ici, sont inoffensifs. Pas la mise en scène, loin de là. Parfois calme et posée, parfois redoutablement vertigineuse. Dévorant les personnages. Les paysages. Le ciel, gris. Laiteux. Trouble. Baigné d’une lumière blanchâtre qui filtre les nuages. Le lac, paisible, clair, bleu. Les girouettes, qui tournent. Les volets, qui se tapent contre les fenêtres des maisons. Les branches des arbres qui s’agitent. Les enfants qui jouent dehors. Et qui scrutent la menace, sans cesse, le visage triste. Ce film, croyez-en, fait peur. Asphyxiant. Redoutable. C’est un joyau de pure cruauté. C’est un jeu de massacre aussi amusant que cruellement terrifiant. Un vol d’oiseaux qui mange l’écran. Un rêve de cinéphile doublé d’un horrible cauchemar. Un croassement étrange, insolite, dans le monde du cinéma.

Mise en scène : 5/5

Interprétation : 4/5

Travail artistique : 5/5

Scénario : 5/5

Total des points : 19/20